Символизм в пейзаже

Человеку всегда было свойственно всматриваться в мир природы его окружавший. Живописные произведения помогают увидеть этот мир глазами людей минувших времен. Сегодня понятие пейзаж мы прилагаем ко всякому виду местности, изображенному художником. Но представления о пейзаже как особом живописном жанре появилось всего несколько столетий тому назад. Рождению пейзажа предшествовало формирование представлений о природе в мифах. Огонь, воздух, вода и земля в древнейших мифологиях являются основными стихиями мироздания. Дождь - символ союза неба и земли, дающего жизнь растениям и животным. Мировое древо или древо жизни в мифологиях разных народов определяло организацию вселенского пространства, противопоставление неба земле, верха низу. С древом связан и образ мировой горы, которая многими народами почиталась как место пребывания богов. С водой были связаны мотивы рождения и смерти, воздух соотносился с мужскими началами. Сильный ветер, ураган, буря, рассматривались как вестники божественного откровения...

Живописный пейзаж неразрывно связан с мифологическими образами, но в нем изначально отражался и эмпирический опыт художника и осознание собственных, независимых от религии, мифологии, идеологии, задач искусства.

Ice and Snow Landscape Painting

Originated from Heilongjiang Province, “Ice and Snow Landscape Painting” is a distinct school of painting pioneered by Yu Zhixue, the native painter as the fruit of his 40 years of study, who has developed a style of his own in the art history of China. In his painting, the ice and snow are not characterized by the traditional techniques of dripping ink spots on the canvas, neither by simply leaving the space unpainted, nor by sketching out the shapes, but by drawing directly out by using thick dark ink with the mixture of alum water and white glue as readjustment，reproducing shapes and the essence of the ice and snow.

The application of white light, transparent body and the romantic charm of glitter and translucence have further advanced the technique of Traditional Chinese Painting, filling in a gap in the development of Traditional Chinese Painting. Numerous snowscape paintings of all ages to mention as there have been since they made their first appearance in Wei Kingdom, Jin Dynasty and Southern and Northern Dynasties; yet, they were all paintings depicting snowscape in areas south of the lower reaches of the Yangtze River, or in the Central Plains, or in areas within the Great Wall. Thus, snow-covered rivers, snow ground, snow-capped mountains and snow villages are commonly seen as their subjects but never have there any painters who are able to represent ice-covered mountains, snowfields, snow deserts and the moon in the snowscape, not to mention the immense expanses of forest knee-deep in snow, and glittering and translucent ice-crystal and soft rime. In other words, these snowscape paintings by predecessors emphasize towering mountains and high ridges but fail to depict magnificence and vastness.

Likewise, they represent chilly coldness but lack Siberian frigidity. They are sufficient in snow-covered landscape without any change made to the shapes of forest and woods, hills and gullies but deficient in the snow-white and pure-looking crystal-clearness, and the dynamic and the change of the snow whirling, dancing and rushing in the violent winds, accumulating randomly into unbounded stretches of wilderness. Mr. Yu Zhixue has an increasingly number of followers ever since he evolved his own technique of “Ice and Snow Landscape Painting”, among whom there are famous Heilongjiang painters such as Jiang Anli, Li Guangbin, Zhou Mo, and Zhao Chunqiou, to name just a few.

Рисуем городской пейзаж

Для начинающего художника городской пейзаж не менее интересная «модель», чем живая загородная природа. В каждом городе, большом и малом, есть свои заповедные места и у каждого горожанина есть не одно любимое место в родном городе.

Городской пейзаж – это рассказ о преобразованной руками человека природе, о прошлом и настоящем, которое переплетается в старой и новой архитектуре. Рисуя родной город, многие по-новому открывают для себя знакомые места, казалось бы, ничем не примечательные, но подкупающие такой трогательной и простой красотой, что могут вызывать даже чувство гордости за свой город.

Стоя на улице обсаженной деревьями можно наблюдать, как по мере удаления деревья становятся всё меньше и меньше, и самое большое дерево вдали будет не больше карандаша в руке. То же происходит и с машинами, в конце длинной улицы они кажутся игрушечными. Люди, по мере удаления, кажутся всё меньше и меньше.
Так ведут себя, подчиняясь законам перспективы вертикальные предметы. А что происходит с горизонтальными линиями? Линии разметок на проезжей части, линии тротуаров по обе стороны улицы, линии горизонтальных архитектурных элементов зданий, удаляясь от нас, начинают постепенно сближаться и в самой дали, сходятся в одной точке, которую мы в пятом уроке назвали точкой схода. Через эту точку проходит линия горизонта. Каждый дом на улице, повёрнутый к зрителю боком, имеет две точки схода на линии горизонта, которые в рисунке могут быть расположены далеко за пределами листа бумаги, поэтому линии эти являются условными и принимаются рисующим по чувству. У художника глаз тренированный и он может убедительно определить перспективные сокращения размеров зданий и предметов на улице, без каких либо вспомогательных приёмов построения перспективы. Начинающему художнику, что бы развить чувство перспективы надо постоянно сравнивать и сопоставлять размеры и формы предметов относительно друг друга.

Если рисовать улицу, например, с балкона третьего или пятого этажа, нам откроется далёкая панорама и больше будут видны тротуары, проезжая часть и всё, что на них находится. Такой рисунок будет иметь высокую линию горизонта, она будет располагаться, примерно, на 1/3 от верхнего края листа. Совсем иначе будет строиться композиция рисунка, если мы рисуем эту же улицу, находясь на земле. Низкая линия горизонта в рисунке будет находиться, примерно, на 1/3 от нижнего края листа. А всё, что мы видели сверху, примет несколько сжатый вид.

Выбор линии горизонта и расположение её в верхней части листа или в нижней, имеет большое значение в композиции рисунка. Не советуют располагать её строго по середине листа, такие рисунки кажутся несколько не естественными. Особенно не советуют прочерчивать линии на рисунке по линейке, это придаёт рисунку вид чертежа и делает его мёртвым.

Отправляясь на пленэр по городу, не забудьте взять с собой рамку «видоискатель», потому что, выбрав понравившееся место, сразу встанет вопрос оптимального варианта компоновки изображения на листе бумаги: по вертикали, горизонтали или в квадрате. Решить этот вопрос лучше всего с помощью всё той же рамки и тем же способом – изменяя положение точки наблюдения, нужно найти такой вариант, при котором композиционный центр оптимально разместится в пределах рамки и все элементы пейзажа гармонично заполнят пространство.

Не отнимая от глаз рамки, надо перенести на бумагу основные ориентиры композиции на переднем, среднем и дальнем планах. Где-то, на самом дальнем плане определится и линия горизонта, на которой условно будут располагаться точки схода параллельных линий. Все горизонтальные линии, расположенные ниже и выше уровня глаз, устремятся к точкам схода на линии горизонта.

Рисунок городского пейзажа надо строить, так как мы строили рисунок натюрморта: вначале определить и наметить размеры самых крупных объектов в центре композиции, не прорисовывая деталей. Сопоставляя размеры основных частей, рисуемых объектов относительно друг друга и мысленно упростив их до простейших геометрических тел – куб, конус, цилиндр, надо расставить все объекты на земле, как расставляли геометрические тела на столе, найдя для каждого свою площадку. Когда конструктивная часть рисунка будет построена, и будет убедительно передавать пространство в глубину, тогда можно приступать к детализации рисунка, выделяя главные детали на переднем плане и подчиняя им всё второстепенное на втором и третьем планах.

Свой первый городской пейзаж советуют порисовать с одного и того же места несколько раз, потому как, рисуя в первый раз, начинающий художник видит только малую часть того, что может увидеть с этого места опытный художник. Сделав три рисунка и положив их рядом, можно будет наглядно увидеть, как идёт процесс развития пространственного мышления и чувства перспективы.

Пейзажная живопись

Нашла очень интересную статью сегодня. Я считаю, что открывает немного другое видение смысла пейзажа, впрочем как и все остальное в Китае. Абсолютно другое видение предметов и их предназначения. Я предлагаю вам ознакомится с этой статьей. На сайте нашей Art галереи My Art Gallery вы сможете найти много интересных работ на тему пейзажа.

"Живопись в Китае как вид искусства издревле пользуется большим уважением. Со времён средневековья дошли стихи, прославляющие живопись, трактаты о творческих путях путях живописцев, описание отдельных картин и своеобразные сводные истории живописи, сообщающие сведения о многочисленных художниках различных эпох. Однако в наши дни многие из тех художников, от которых не сохранилось вещественных доказательств их существования, отошли в область легенд, превратились в своего рода символы, связанные с определёнными художественными направлениями. Многие знаменитые картины погибли при пожарах, иные сохранились только в поздних копиях. И все же уцелевшие произведения дают возможность восстановить основной путь развития китайской живописи, выяснить изменения, которые совершались в ней на протяжении различных эпох, а сохранившиеся трактаты позволяют понять, какой эстетический смысл вкладывали сами художники в свои произведения.

Китайская живопись представляет собой объединение художественного искусства с поэтическим. На китайской картине не редко встретишь изображение пейзажа и иероглифические надписи, поясняющие суть картины. В китайском пейзаже можно увидеть голые островерхие горы севера, меняя окраску от освещения дня. Белоснежные могучие сосны у их подножий, выжженные солнцем пустыни с остатками древних городов, заброшенные скальные храмы, тропические леса юга, населённые бесчисленным множеством зверей и птиц. Незнающий человек скажет, что картины Китая однотипны, что одни только 'Ветки да горы'. Хотя того не подозревая, что за всей этой чудной природой кроется замечательные стихи. Лиричные и трепетные.

Сложность китайской живописи отпугивает того, кто с ним мало знаком. Его образы и формы, его идеи, а зачастую и техника представляется нам не понятными. В самом деле: откуда нам знать, что две дремлющие в прибрежных камышах пушистые мандариновые уточки или летящая в небе пара гусей на картине живописца являются символами не расторжимой любви, понятными каждому образованному китайцу, а сочетание бамбука, сосны и дикорастущей сливы мэйхуа (по-китайски: три друга холодной зимы), изображение которых мы беспрерывно встречаем и на китайских картинах и на вазах, означают стойкость и верную дружбу.

Аллегория, символ и поэтическое образное толкование мира вошли исстари в плоть и кровь китайской действительности. Мост через озеро, пещера в скалах, беседка в парке часто получали такие названия: 'Мост орхидей', 'Ворота дракона', 'Павильон для слушания течения реки' либо 'Беседка для созерцания луны' и т.д. Детям часто давали и дают поныне поэтические имена, навеянные образами природы:'ласточка', 'Росточек', 'Мэйхуа' и т.д. Это сложное образное мировосприятие, постоянное общение к образом природы для передачи своих чувств зародилось в Китае ещё в глубокой древности. Вся китайская мифология связана с борьбой человека против стихий, с наивным и образным толкованием явлений природы.

Китайская живопись двусмысленна. Поэты, художники во времена господства иноземных династий или в те годы, когда страну разоряли не умные и жестокие правители, писали стихи и картины, где в традиционные сюжеты и формы они вкладывали совсем иной, скрытый подтекст. Китайская живопись неразрывно связана с поэзией. Порой художники дополняли свою картину строками из стихов. Надо сказать, что китайские художники порой были и замечательными поэтами. Один великий китайский критик Чжан Янь-юань подчеркнул неразрывность поэзии с живописью и сказал: ' Когда они не могут выразить свою мысль живописью, они писали иероглифы, когда они не могли выразить свою мысль через письменность, они писали картины'.

Это сочетание картины и надписи необычно для европейского восприятия. Однако китайские художники не только дополняли и эмоционально обогащали смысл своих произведений стихами, которые рождали как бы новые образы, развивали фантазию зрителя, но и вписывали с таким мастерством и блеском свои иероглифы в картину, что она приобрела от этого какую- то особую законченность и остроту. Сама по себе каллиграфия в виде надписей часто отдельно помещалась на свитках, образуя картины из одних иероглифов, и имела много разных стилей.

Тысячелетиями исчисляется развитие пейзажного жанра в Китае, известного как одно из величайших достижений мирового искусства. Китайский пейзаж не похож на европейский. Их отличает не только разница формы картины. Китайский пейзаж ' Шань-шуй',т.е. 'горы- воды',сложился и достиг необыкновенного расцвета уже в средние века к VII - VIII векам нашей эры, положив начало всей дальневосточной пейзажной живописи, тогда как пейзаж в Европе возник как самостоятельное явление лишь в эпоху Возрождения и разделился на множество направлений в связи с национальными особенностями разных стран. В европейском пейзаже мир, изображенный художником, словно увиден им из окна. Это часть природы, сельской местности или города, которую может охватить глаз живописца и где человек, даже если его и нет на картине, всегда чувствует себя как бы хозяином. Китайский художник воспринимает пейзаж как часть необъятного и просторного мира, как грандиозный космос, где человеческая личность ничто, она как бы растворена в созерцании великого, непостижимого и поглощающего её пространства.

Китайский пейзаж всегда фантастичен, несмотря на свою реальность, он как бы обобщает наблюдения над природой в целом. В нем часто присутствует изображение гор и вод - это устоявшаяся издревле традиция, связанная с религиозно- философским пониманием природы, где взаимодействуют две силы - активная мужская 'янь' и пассивная женская 'инь'. Близкие к небу горы - это активная сила, мягкая и глубокая вода - пассивная, женская. В древности, когда зародились эти представления, горы и воды обожествлялись как властители человеческой жизни. Вода приносила урожаи, дарила посевы или несла страшные наводнения, от нее зависело счастье или горе людей. Недоступные, окутанные извечной тайной горы были местом, куда уходило солнце. Своими вершинами они соприкасались с небом. Эта древняя символика, давно утратившая в Китае свой первоначальный смысл, тем не менее легла в основу прочной традиции изображения природы. Определённое содержание и значение китайского пейзажа породило и его особую роль в живописи, а также необычную форму и многочисленные художественные приёмы его написания. Многие из китайских картин, где лишь намёком показана какая -либо деталь природы, воспринимаются как пейзаж, хотя и не относятся к этому жанру. Природа как бы помогает художнику придать своей картине возвышенность, глубину и поэтичность.

Китайский художник никогда не писал с натуры и никогда не делал этюдов, как это принято в европейской живописи. Впечатление, которое остаётся от многих китайских произведений, таково, будто художник только что осязал шелковистые перья изображённой им маленькой птички или подсмотрел танец двух бабочек над цветущим деревом. Это впечатление основано на том, что китайский художник до того, как писать свои картины, подобно естествоиспытателю, с бесконечной тщательностью изучал природу во всех мельчайших её проявлениях. Он прекрасно знал структуру каждого листа, движение медлительных гусениц, пожирающих спелые плоды, он знал мягкую поступь крадущегося тигра и настороженный поворот головы молодого оленя, прислушивающегося к шорохам леса. Живописец словно посвящает зрителя в скрытые от него многочисленные тайны природы. Китайский живописец изображает природу в двух аспектах. Один - это пейзажи гор и вод - 'шань- шуй', т.е. тип классического китайского пейзажа на длинных свитках, где важны не детали, а общее ощущение величия и гармонии мира, другой, не являющийся пейзажем в полном смысле этого слова, так называемый жанр 'цветов и птиц' - своеобразный мир жизни животных, также необычайно распространённый в древности и сохранивший свою жизнеспособность в наши дни. Иногда произведения этого жанра писались на круглых и альбомных листах, на ширмах и веерах и изображали то птичку на ветке, то обезьяну, качающую детёныша, то стрекозу, порхающую над цветком лотоса. Именно здесь художник позволяет себе рассматривать каждое движение растения или животного словно в увеличительное стекло, бесконечно приближая их к зрителю и в месте с тем воплощая подчас в этих маленьких сценах единую и цельную картину природы.

В пейзажах 'гор и вод' природа, напротив, словно отдалена от зрителя, представляя перед ним как нечто титаническое и могучее. Всматриваясь в этот пейзаж, человек себя чувствует себя бесконечно малой частью этого мира, и всегда с тем безумная смелость и бескрайняя широта развёрнутых перед ним просторов вызывает в нем восхищение и гордость. Сам мир китайской живописи - это мир природы, с жизнью которой всеми нитями связан человек. Китайские живописцы со временем выработали свою, непохожую на европейскую, способов изображения. В китайском пейзаже самый дальний объект расположен выше предыдущего. Поэтому китайский пейзаж он выглядит более объёмно. А европейский пейзаж строится по принципам линейной перспективы, т.е. дальность картины выражена уменьшением дальних объектов относительно переднего плана. В китайском пейзаже на переднем плане размещены крупные объекты: скалы, деревья иногда строения. Эти детали переднего планы являлись, своего рода масштабными единицами. Дали почти не видно, она как бы смазана, затянута дымкой.

Травинка, по которой ползёт букашка, или гусь, в камышах зовущий подругу, - эти скромные изображения в китайской картине ни когда не ощущаются как обычная будничная сцена. Зритель чувствует и воспринимает подобные композиции как жизнь огромного мира, где каждый стебель является выразителем великих и вечных законов бытия."

Гений пейзажа

Из истории японской культуры

Имя художника Хиросигэ для многих любителей японского изобразительного искусства является синонимом наивысшего мастерства, достигнутого в ксилографии. Ни до, ни после него искусство укиё-э не поднималось на столь головокружительную высоту, не получало столь однозначного признания как внутри страны, так и за ее пределами.

Хиросигэ считают гением пейзажа, хотя искусство этого мастера носит гораздо более многоплановый характер. Из-под его кисти вышли великолепные портреты женщин, актеров, исторических деятелей, юморески, изображения птиц и цветов. Наряду со станковой гравюрой он создал немало рисунков для вееров, конвертов, игральных досок, театральных афиш. Одни лишь усилия по иллюстрированию книг могли обеспечить Хиросигэ славу великого художника. Некоторые искусствоведы считают, что творчество Хиросигэ стало одним из мощнейших стимулов, повлиявших на формирование школы европейского импрессионизма. Итак, перелистаем страницы из жизни и творчества этого гения.

Бесспорно, что принадлежность к определенной социальной среде, впечатления, полученные в детские годы, в значительной степени сказываются на формировании мироощущения любого художника. Японские писатели, поэты, скульпторы, графики — не исключение из этого всеобщего правила.

Будущий великий мастер укиё-э родился в семье небогатого самурая. Его отец, Гэнэмон Андо занимал наследственную должность начальника пожарной дружины в центральном районе столичного Эдо. Пожары в городах и поселках, выстроенных преимущественно из дерева и соломы, приключались часто. Поэтому отец всегда был при деле. Как представитель воинского сословия самураев, он получал за свою службу рисовый паек, что позволяло семье сравнительно легко сводить концы с концами. В 1797 году в семье Андо родился мальчик, которому дали имя Токутаро.

В самурайских семьях детей учили грамоте с младых ногтей. А грамотность и каллиграфия, без преподавания которой в то время не обходилась ни одна школа, помогли мальчику быстро освоить умение пользоваться кистью, тушью, разбираться в качестве бумаги. В школе ученикам давали основы буддийской философии, конфуцианской этики. А это вело к углубленному осмыслению истории страны, ее культуры, литературы, изобразительного искусства.

Токутаро повезло и в том, что в пожарной дружине отца служил Ринсай Окадзима, самодеятельный художник, горячий поклонник школы Кано. В меру сил он помог любознательному мальчишке познакомиться с основами монохромной живописи. Уже в те юные годы Токутаро оценил изобразительное богатство и потенциал рисунка тушью, когда ее тончайшие оттенки передают не только абрис предмета, но и сложнейшие переливы света и тени, а свободное пространство в рисунке является его важнейшим смысловым компонентом.

По традиции японцы могли за годы жизни не раз менять свои имена. То же произошло и с сыном пожарного. Свое младенческое имя после смерти родителей Токутаро сменил на Дзюэмон. Ему только-только исполнилось 13 лет, но как старший сын он принял на себя наследственную должность в пожарной дружине, а вместе с ней и ответственность за благосостояние семьи. Еще одно имя, которым он пользовался в юные годы, было Токубэй.

Несмотря на частые выезды на пожары, у юноши оставалось достаточно времени, чтобы не оставлять увлечение рисованием. Более того, в 15 лет ему удалось стать учеником известного мастера школы Утагава. Правда, Андо просился в ученики к тогдашнему главе этой школы — Тоёкуни. Но мальчишка чем-то не приглянулся мэтру, и пришлось идти в ученики к менее именитому Тоёхиро Утагаве (1773-1823). Ученичество предполагало копирование работ наставника, чередовавшееся с нудной работой по растирке туши и красок, подготовке бумаги и кистей, а также уборку помещения, прислуживание хозяину мастерской и старшим ученикам. Обычно на освоение навыков рисовальщика уходили годы, но талантливый ученик проявил себя с самой лучшей стороны, и спустя год ему было предложено сдать экзамен на звание мастера. В 1812 году Андо получил подписанный учителем диплом мастера школы Утагава. Теперь ему пришлось вновь изменить имя. На своих работах он стал ставить подпись Хиросигэ Утагава (новое имя было составлено из двух иероглифов, первый — хиро — был взят из имени учителя, а второй — сигэ — почерпнут из родословной семьи Андо).

Молодой мастер не покинул учителя и еще несколько лет трудился в его мастерской, углубляя свои знания традиций школы Утагава. Одновременно он приглядывался к творчеству и других мастеров, работавших в Эдо. Естественно, что первые работы Хиросигэ в основном повторяли каноны жанра бидзинга, характерного для школы Утагава. В 1821 году он выпустил серию гравюр «Восемь изображений красавиц в интерьере и на воздухе». Однако женские портреты, исполненные в те годы Хиросигэ, вряд ли могли получить высокую оценку. Пожалуй, единственным, кто уже в тех ранних работах разглядел талант будущего мастера, был издатель Кисабуро Иватоя. Он заказал молодому художнику иллюстрации к двум повестям писателя Саннин Тори. Эта работа Хиросигэ приглянулась. В будущем (1822-1824) он сам написал несколько книжек и проиллюстрировал их. Свои ранние работы, выходившие за рамки школы Утагава, Хиросигэ подписывал псевдонимом Итиюсай («Сосредоточившийся на искусстве»). В полном соответ-ствии с этим псевдонимом Хиросигэ пришлось отказаться от других видов заработка. Он передал свой наследственный пост в пожарной дружине, а следовательно, и главенство в семье Андо дяде, правда, с условием, что тот вернет его сыну художника по достижении им совершеннолетия.

У Хиросигэ вырабатывается вкус к станковой гравюре. Но постепенно ее герои — гейши, красавицы, актеры — как бы отступают на второй план, оставляя место главного действующего лица пейзажу. Безусловно, своим интересом к пейзажным зарисовкам Хиросигэ обязан оглушительному успеху первых листов серии «Тридцать шесть видов горы Фудзи», подготовленных Хокусаем.

После смерти издателя Иватоя (примерно в 1830 г.) Хиросигэ вынужден был искать другого покровителя своего творчества. С учетом новой моды в покупательском спросе художнику пришлось внести коррективы в свою работу. Его главной темой в этот период становятся изображения птиц и цветов.

Тематика катёга (изображения цветов и птиц) примыкала к пейзажу. Основы этого жанра были заложены еще в средневековом Китае. Потом его успеху в немалой степени способствовали художники школы Кано. В этом жанре прославились Корюсай, Утамаро, Масаёси Китао и Сигэмаса Китао. Огромным спросом у публики эти листы пользовались и потому, что рисунки сопровождались стихами именитых поэтов. Появился даже некий синтетический жанр хайга (стихи-картины). Именно на этом поприще завоевывал себе признание Хиросигэ.

Преодолев рамки школы Кано, проповедовавшей идеально-канонические пейзажи «горы-воды», но все еще не избавившись от набора характерных для этой школы приемов, Хиросигэ обращается к городскому пейзажу. В 1831 году в издательстве Кавагути выходит серия из 10 горизонтальных гравюр «Виды Восточной столицы». Он запечатлел самые известные места Эдо — мост Рёгоку, Новую Ёсивару, Сусаки и т. д. В то время районы плотной городской застройки чередовались с полями и парками. Поэтому Эдо предстает в этой серии не только своими домами, улицами и мостами, но также и типично сельскими пейзажами.

Примечательно, что свои гравюры этого периода художник подписывает все тем же псевдонимом Итиюсай, но с другим иероглифическим написанием, что теперь можно перевести как Сосредоточившийся на сокровенном.

А весной 1831 года начинается новый этап в творчестве Хиросигэ. Сам он обозначил его очередной сменой псевдонима. Теперь его подпись Итирюсай можно толковать как Независимый от других. Очевидно, это — заявка на собственный путь в мире укиё-э.

В это время художник пробует себя в самых различных жанрах. В ряде издательств выходят многолистовые серии изображений птиц и цветов. Продолжается работа над городским пейзажем Эдо. Но всенародная слава Хиросигэ была лишь на подходе. И связана она была с путешествием из Эдо в Киото.

Каждый год в качестве ритуального жеста всесильный правитель страны сёгун отправлял к императорскому двору в Киото подарок — белую лошадь. Это событие обставлялось пышным церемониалом. Подарок императору должны были сопровождать высшие чиновники страны. В свиту включались и представители мира искусств — поэты и художники. В 1832 году право пройти с церемониальным шествием было предоставлено Хиросигэ, хотя, не исключено, что это — мифологический сюжет из биографии художника.

Тракт Токайдо, соединявший две столицы — императорскую (Киото) и сёгунскую (Эдо), — шел по тихоокеанскому побережью острова Хонсю. 488 километров дороги были разделены 53 станциями, где можно было сменить носильщиков, перекусить и заночевать. Дорога Токайдо не раз избиралась японскими поэтами и писателями как сквозной сюжет для серий стихов и рассказов. Особой популярностью, например, пользовался роман Икку Дзиппэнся (1765-1831) о забавных странствиях двух плутоватых друзей «На своих двоих по Токайдо». Виды Токайдо пытались запечатлеть на своих свитках и художники, в том числе Моронобу Хисикава (?-1694). Менее известные графики в меру собственных сил не раз иллюстрировали путеводители по Токайдо с подробным описанием станций, мест для ночлега, харчевен, мостов, местных достопримечательностей.

Искусствоведы по сей день спорят, преодолел ли Хиросигэ весь путь до Киото и обратно. Зарисовки с первых шести (от Эдо) станций на пути явно были сделаны с натуры. А остальные впечатления (особенно, с 17-й станции и далее), считают иные эксперты, были почерпнуты, скорее всего, из иллюстрированных путеводителей, во множестве издававшихся в те годы. Так это было или иначе, окончательный вывод сделать довольно трудно. Вернувшись домой, Хиросигэ начинает работать над серией «Tokaido gojusantsugi» («Пятьдесят три станции Токайдо»). Первые листы серии были выпущены издателем Хоэйдо Такэути в свет еще в 1831 году, то есть за несколько месяцев до начала путешествия. В этом нет ничего странного, ибо тракт Токайдо начинался из центра Эдо. Естественно, художник мог сделать свои первые наброски и даже подготовить листы о первых станциях, не удаляясь особенно далеко от собственного дома и не дожидаясь поездки в Киото. К 1834 году вся серия стала достоянием публики. В том же году она была издана двумя цветными альбомами. Вся серия включала 55 листов: 53 станции и две крайних точки маршрута — мост Нихомбаси в Эдо и мост Сандзёбаси в Киото.

Успех серии был огромен. Хиросигэ ввел в пейзаж жанровые мотивы, что на некоторых листах фактически стерло грань между пейзажными и бытовыми зарисовками. По популярности она конкурировала с шедеврами Хокусая из серии «Тридцать шесть видов Фудзи». Повышенный спрос на пейзажи Хиросигэ привел к тому, что художник за последовавшие годы 20 раз возвращался к тем же сюжетам, внося каждый раз некоторые изменения, давая изображения под другим углом зрения, изменяя формат и т. д. Поэтому первый вариант серии, в дальнейшем именуемый специалистами и любителями как «Большой Токайдо», во многом отличался от серии, отпечатанной издателем Марусэй Рэйсё в горизонтальном формате, или от той же серии графических листов в вертикальном формате (1853). Гравюры серии «Пятьдесят три станции Токайдо» заложили основу национального лирического пейзажа.

Воодушевленный успехом, Хиросигэ приступает к подготовке новых пейзажных серий. В 1834 году выходит серия «Знаменитые виды Киото», в 1834-1835 годах — «Восемь видов провинции Оми», в 1834-1842 годах — «Шестьдесят девять станций Кисокайдо» (имеется в виду дорога, идущая из Эдо в Киото по горному маршруту), в 1835-1836 годах — «Восемь видов Канадзавы», в 1878-1879 годах — «Восемь видов окрестностей Эдо».

Картины пейзажи: средние века, венецианская школа живописи

Сельский пейзаж начал выходить за рамки родственных живописных жанров в работах великого нидерландского мастера Патинера и немецкого живописца Альтдорфера. Именно их пейзажная живопись, насыщенные красками пейзажи в картинах стали прорывом изображения. Природа выходит из тени на первый план полотен, например, в работе Альтдорфера «Лесной пейзаж», где небольшие фигурки людей теряются в монументальном величии изображения лесной чащи. Суровые осенние пейзажи и оптимистический весенний пейзаж увлекают за собой и зовут в мир чудес и познания истины.

Картины маслом пейзажи были выразительны и сильны у мастеров, представляющих венецианскую школу. Художник Джорджоне творил в начале XVI века и его произведение «Гроза» (1506 год) отображает пейзажи леса, весеннего пробуждения и грозной стихии. Техника пейзажа настолько проникновенно доносит к нашим сердцам мир природы, приглушенные оттенки изображения пейзажа настолько визуально воздействуют на восприятие, что кажется, что мы сами находимся внутри картины, являемся участниками действа. Пейзажи, написаные маслом, в большом количестве представлены в нашей галерее My Art Gallery. Не смогут оставить Вас равнодушными и работы наших художников Анатолия Панагонова, Александра Аврина, Станислава Дулатова и других замечательных мастеров.

Единение человека и природы отныне постоянно отражено в работах известных мастеров: пейзажи осени и очаровательные пейзажи весны очень талантливо переданы в картинах «Спящая Венера» и «Три философа» художника Джорджоне. Венера, ослепительная девушка, сладко спит на фоне бушующей красоты природы южной Италии. Романтические пейзажи после этого произведения начали приобретать популярность у современников и потомков мастера. Итальянские пейзажи начинают покорять мир, яркое солнце и теплота природных красок увлекают за собой, хочется долго любоваться и оценивать эти пейзажи лета.

Гениальный Тициан, который возглавил итальянскую венецианскую школу, оказал огромное влияние на дальнейшие пейзажи художников, сумев показать величие и красоту природы. Деревенский пейзаж стремительно ворвался в моду, а графика пейзажей Тициана настолько тонка, что позволяет разглядеть даже маленькие штрихи и детали. Очаровательные пастухи и пастушки, ветвистые деревья и великолепные чащи, цветы пейзажи - так огромно наследие неутомимого гениального труженика Тициана.

How to Paint a Beautiful Landscape with Acrylics

Painting landscapes with acrylics is both relaxing and rewarding. Let your personal style come through and you should find this a great hobby. In our art gallery you can find a lot of works what are painted with acrylics and some of tehm are landscapes (Alexey Kalyakin, Nikita Garets art works). Acrylic paint is a medium that can look like an oil painting or a watercolor painting when finished. It depends on the artists’ style and how thick they apply the color. Either way, starting out by painting landscapes helps to get your feet wet in the world of painting.

You can learn to paint a landscape on canvas paper, canvas board or stretched can-vas. Professionals always suggest practicing your techniques first on an inexpensive canvas or acrylic paper. By practicing first, then applying it to the finished piece you'll feel more comfortable. You may be satisfied without practicing. Painting is about what makes you feel good!

Keep your supplies handy. Have your spay or mister bottle handy to keep the acrylics moist, keep a water supply handy for the brushes, and always have paper towels handy.

Let’s create a simple landscape painting. Lightly sketch in a horizon line with pencil about ? of the way down the canvas. In this case out emphasis will be the sky because only ? of the painting is land. Wet the sky with white gesso. Add some color to the same brush and starting at the top, use criss-cross strokes and blend down to the horizon line. Use any color. Daytime skies can be blues & purple. Nighttime skies can be these colors just darkened with reds and oranges near the horizon. Blend the colors as little or much as you like. Now your sky is done.

Now it’s time to create your land or hills. Chose a medium to light green and with horizontal strokes lay in the distant field or hill. Keep things interesting by sloping it. Change the green slightly by darkening it and add a couple of more layers of fields as you work your way forward. The darkest layer should be in the front of the painting.

That’s it! Anything else you add to your painting is a plus. One or two distant trees would be neat or maybe just a single bird in the sky, low to the horizon.

This little lesson helps inspire you to have fun painting landscapes with acrylics.

Introduction to Landscape Painting

Landscape painting takes as its subject the physical world that surrounds us and can include features such as mountains, valleys, vegetation, and bodies of water. All this you can find on our gallery. The sky is another important element shaping the mood of landscape paintings. Landscape art ranges from highly detailed and realistic to impressionistic, romantic and idealized. While oil landscape painting predominates, acrylic and even mixed media are common as mediums.

While early landscape frescoes date as far back as the Roman era, it was only in the fifteenth century that landscape painting began to be commonly seen, beginning as background to whatever religious subject was being portayed. It was with the Dutch painters of the 16th and 17th centuries that landscape painting became established as a separate artistic genre. Partially inspired by Transcendentalism and the Naturalist movement, landscape painting became an even more important art form in the 1800s. It has been said that the impact landscape painting had during this time period was so influential it required people “to assume that the appreciation of natural beauty and the painting of landscape is a normal and enduring part of our spiritual activity."

Contemporary landscape art has evolved to include more than just the natural world. As less of the earth has been left untouched by man, landscape now feature some sort of human evidence such as buildings, roads, or fences. There are a lot of beatiful country side paintings in our gallery. One of the popular trends in contemporary landscape painting is plein air painting, said to convey nature in a fuller way than studio painting.